Posiciones básicas del Ballet

Las posiciones y movimientos de ballet son numerosas. En el siglo XVII, en Francia, el rey Luis XIV fundó en París la Academia Real de Danza, fue la primera escuela profesional de baile. Por esta razón, gran parte de las posturas y de los movimientos tienen denominación en el lenguaje francés.  A continuación te describimos las cinco posiciones básicas de los pies y las cinco posiciones básicas de los brazos en conjunto con las manos que no admiten ninguna variación:

POSICIONES DE LOS PIES

• Primera posición: Los talones se juntan y los pies se giran hacia afuera hasta formar una línea.
• Segunda posición: Los pies se giran igual que en la primera posición, pero con las piernas algo separadas. El espacio entre ellas debe ser el equivalente al largo de un pie.
• Tercera posición: El talón de un pie se pone contra la parte central del otro.
• Cuarta posición: los pies se cruzan de modo que el talón de un pie se encuentra a la misma altura que los dedod del otro, y viceversa. Se debe dejar un espacio entre los pies equivalente al largo de un pie.
• Quinta posición: Los pies se cruzan de modo que el talón de un pie toque el dedo del otro, y viceversa.

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  POSICIONES DE LOS BRAZOS

  • Primera posición: los brazos se colocan hacia abajo formando un óvalo.
  • Segunda posición: los brazos se abren ampliamente formando una línea con los hombros y ligeramente curvados.
  • Tercera posición: Un brazo como en la primera posición y el otro como en la segunda.
  • Cuarta posición: un brazo curvado hacia adelante y el otro hacia arriba también ligeramente curvado.
  • Quinta posición: Los brazos se colocan hacia arriba formando un óvalo.
  
  
  
  
  

Estilos

Las variaciones estilísticas y los subgéneros han evolucionado con el tiempo. Las primeras variaciones clásicas se asocian principalmente con el origen geográfico. Ejemplos de ello son el ballet ruso, el ballet francés y el ballet italiano. Las variaciones posteriores, como el ballet contemporáneo y el ballet neoclásico, incorporan tanto el ballet clásico como técnicas y movimientos no tradicionales. Quizá el estilo de ballet más conocido y representado sea el ballet romántico tardío (o ballet blanc).

                    

Ballet clásico

El ballet clásico se basa la técnica y vocabulario de ballet tradicional. Han surgido diferentes estilos en distintos países, como el ballet francés, el ballet italiano, el ballet inglés y el ballet ruso. Varios de los estilos de ballet clásico están asociados a métodos de entrenamiento específicos, que suelen llevar el nombre de sus creadores (véase más adelante). La Método de la Real Academia de Danza es una técnica de ballet y un sistema de entrenamiento que fue fundado por un grupo diverso de bailarines de ballet. Fusionaron sus respectivos métodos de danza (italiano, francés, danés y ruso) para crear un nuevo estilo de ballet que es exclusivo de la organización y es reconocido internacionalmente como el estilo inglés de ballet.​ Algunos ejemplos de producciones de ballet clásico son: El lago de los cisnes, La bella durmiente y El cascanueces.

                        

Ballet romántico

El ballet romántico fue un movimiento artístico del ballet clásico y varias producciones permanecen hoy en el repertorio clásico. La época romántica estuvo marcada por la aparición de la pointe, el dominio de las bailarinas y los tutús más largos y vaporosos que intentan ejemplificar la suavidad y un aura delicada.​ Este movimiento se produjo entre principios y mediados del siglo XIX (la época romántica) y presentaba temas que enfatizaban la emoción intensa como fuente de experiencia estética. Los argumentos de muchos ballets románticos giraban en torno a mujeres espirituales (sílfides, wilis y fantasmas) que esclavizaban los corazones y los sentidos de los hombres mortales. El ballet de 1827 La Sylphide se considera el primero, y el ballet de 1870 Coppélia se considera el último. Entre los bailarines de ballet famosos de la época romántica se encuentran Marie Taglioni, Fanny Elssler y Jules Perrot. Jules Perrot también es conocido por su coreografía, especialmente la de Giselle, a menudo considerada como el ballet romántico más celebrado.

        

Ballet neoclásico

Aunque Balanchine es ampliamente considerado como la cara del ballet neoclásico, hubo otros que hicieron contribuciones significativas. La obra de Frederick Ashton Variaciones sinfónicas de Frederick Ashton. (1946) es una obra fundamental para el coreógrafo. Con arreglo a la partitura del mismo título de César Franck, es una interpretación de la partitura en clave de danza pura.

Otra forma, el Ballet moderno, también surgió como una rama del neoclasicismo. Entre los innovadores de esta forma se encuentran Glen Tetley, Robert Joffrey y Gerald Arpino. Aunque es difícil separar el ballet moderno del neoclasicismo, el trabajo de estos coreógrafos favorecía un mayor atletismo que se alejaba de la delicadeza del ballet. El físico era más atrevido y el ambiente, el tema y la música más intensos. Un ejemplo de ello sería Astarte (1967) de Joffrey, que presentaba una partitura de rock y matices sexuales en la coreografía. 

     

Ballet contemporáneo

Se considera que George Balanchine fue el pionero del ballet contemporáneo. Otra de las primeras coreógrafas de ballet contemporáneo, Twyla Tharp, coreografió Push Comes To Shove para el American Ballet Theatre en 1976, y en 1986 creó In The Upper Room para su propia compañía. Ambas piezas se consideraron innovadoras por su fusión de movimientos claramente modernos con el uso de zapatillas de punta y bailarines de formación clásica.

En la actualidad, hay muchas compañías y coreógrafos de ballet contemporáneo. Entre ellos están Alonzo King y su compañía LINES Ballet; Matthew Bourne y su compañía New Adventures; Complexions Contemporary Ballet; Nacho Duato y su Compañía Nacional de Danza; William Forsythe y The Forsythe Company; y Jiří Kylián del Nederlands Dans Theater. Compañías tradicionalmente "clásicas", como el Ballet Mariinsky (Kirov) y el Ballet de la Ópera de París, también interpretan regularmente obras contemporáneas.

      

El término ballet ha evolucionado para incluir todas las formas asociadas a él. Ahora se espera que alguien que se forme como bailarín de ballet interprete obras neoclásicas, modernas y contemporáneas. Se espera que un bailarín de ballet sea capaz de ser majestuoso y regio en el trabajo clásico, libre y lírico en el trabajo neoclásico, y desenvuelto, áspero o pedestre en el trabajo moderno y contemporáneo. Además, hay varias variedades modernas de danza que fusionan la técnica del ballet clásico con la danza contemporánea, como el Hiplet, que requiere que los bailarines tengan práctica en estilos de danza no occidentales.

Ballet

 ¿Qué es el ballet?

El ballet es un arte escénico que puede incluir danza, música de orquesta, coro, mímica, actuación, escenografía, vestuario y relatos fantásticos. Muchos lo llaman danza clásica. Otros le dicen danza académica. Lo cierto es que todos reconocemos un ballet por la precisión de los refinados movimientos de los bailarines.

                                              

El ballet clásico o danza clásica es una forma de danza cuyos movimientos están basados en el control total y absoluto del cuerpo, se recomienda empezar desde temprana edad debido a su grado de dificultad. A diferencia de otras danzas, en el ballet cada paso está codificado. Participan invariablemente las manos, brazos, tronco, cabeza, pies, rodillas, todo el cuerpo en una conjunción simultánea de dinámica muscular y mental que debe expresarse en total armonía de movimientos.

También se utiliza el término ballet para designar una pieza musical compuesta, a propósito, para ser interpretada por medio de la danza. El ballet es una de las artes escénicas.

El ballet existe en tanto pieza autónoma, como parte en las escenas de una ópera o de una obra de teatro a modo de divertimento. El ballet cortesano francés, es contemporáneo de los primeros ensayos de la monodia dramática de Florencia (los intermedios, de finales del siglo xvi]). De las representaciones de los ballets de la corte nacen las óperas-ballet y las comedias-ballet de Lully y de Molière.

El ballet intercalado, insertado en una ópera, es específico del arte lírico francés, como se refleja en las representaciones de las tragedias líricas de Lully y de Rameau. La reforma de Noverre (ballet de acción) e incluso las de Gluck. El ballet moderno comprende una sucesión de episodios que se encadenan de manera continua. Las concepciones wagnerianas ya no contemplan la práctica del ballet intercalado.

En el siglo xx, el ballet es objeto de toda clase de renovaciones y experimentos. El estreno de La consagración de la primavera (1913) de Ígor Stravinski con una coreografía de Vaslav Nijinsky provocó uno de los mayores escándalos de la historia de la música y de la danza.

El ballet moderno, sin embargo, mantiene un lenguaje más clásico (Maurice Ravel La Valse, 1920), que con su estilización retoma las concepciones del ballet clásico: Richard Strauss (suite de danzas de El burgués gentilhombre) e Ígor Stravinski, Apollo).

                                                     

Se debe recordar que el ballet es la base del resto de las danzas.

Técnicas

 Existen diversas corrientes y técnicas de danza contemporánea que podemos resumir en estas tres:

         

Técnica Cunningham

La técnica Cunningham fue creada por un coreógrafo llamado Merce Cunningham. Él le dio a la danza un carácter independiente y autónomo en relación a la música. También le otorgó un significado nuevo al sentido del espacio durante la ejecución de una coreografía. Es una técnica que da protagonismo al movimiento y se basa en una combinación de una serie de secuencias aleatorias, pero seleccionadas previamente.

Técnica Graham

Fue desarrollada por Marta Graham. Se basa en los conceptos de contracción y relajación, realizando contracciones abdominales y pélvicas seguidas de relaciones. Todo ello coordinado con la respiración. La relación con el suelo también es de gran importancia en las coreografías de este estilo de danza contemporánea.

Técnica Limón

Una técnica creada por José Limón que le da énfasis a los principios orgánicos y físicos de caída y recuperación, de sucesión y suspensión. También otorga una especial relevancia a los movimientos que la respiración ejerce en el cuerpo, utilizando también el propio peso del bailarín. No es un sistema pautado como ocurre en la técnica Graham, ya que en el estilo Limón, no hay secuencias ni ejercicios definidos. Aquí todos los movimientos se centran en desarrollar la musicalidad y la expresión dramática por lo que el bailarín necesita potenciar al máximo su capacidad creativa.

                                                              

Una de las mejores características de la danza contemporánea es que es apta para personas de cualquier edad. Se puede adaptar según el nivel técnico, las capacidades físicas o la edad de los alumnos.

Danza Contemporánea

 Danza Contemporánea 

La danza contemporánea es una fusión de diferentes estilos cuya base se encuentra en el ballet clásico, pero libre de la disciplina de este estilo. Por el contrario, se caracteriza por una total libertad en los movimientos y en la expresión corporal. 

Los bailarines de danza contemporánea tienen que tener un excelente dominio técnico a la vez que una gran versatilidad y una buena capacidad para improvisar. La pieza está centrada en el suelo, trabajando la gravedad y el peso del cuerpo. Generalmente se baila con los pies descalzos. El aprendizaje incluyen técnicas y movimientos del ballet clásico, así como nuevas expresiones de la danza moderna. El objetivo es explorar los movimientos en relación con el piso y a la vez aplicar algunas técnicas de consistencia del cuerpo.

Se considera que fue Isadora Duncan la fundadora de este tipo de danza. Fue una bailarina y coreógrafa estadounidense que nación en 1877 y falleció en 1927. Era autodidacta y de forma espontánea comenzó a incorporar movimientos relacionados con el expresionismo a las técnicas del ballet clásico.

Otras diferencias destacables entre el ballet clásico y danza contemporánea es que el primero cuenta una historia con principio, desarrollo y desenlace. El contemporáneo puede adaptarse a esta estructura o bien desarrollar la historia de una manera no lineal. Por otra parte, los roles del bailarín y la bailarina no están tan definidos en la danza contemporánea como en el ballet. 

Su origen se remonta hasta finales del siglo XIX. En los inicios se buscaba una alternativa a la estricta técnica del ballet clásico, empezaron a aparecer bailarines danzando descalzos y realizando movimientos menos rígidos que los tradicionales en el escenario. Con el tiempo, fueron apareciendo variaciones en las que la técnica clásica brillaba por su ausencia e incluso se introducían movimientos de otras técnicas corporales, como el flamenco, movimientos de danzas tribales y hasta del yoga. Hasta el final de la Segunda Guerra Mundial este renovado estilo de danza se llamó danza moderna, pero su evolución desde finales de los años 1940 en adelante llevó a que se prefiriese a partir de entonces emplear la expresión danza contemporánea. Hoy en día, las técnicas modernas dejan paso a un torbellino de mezclas de estilos, llegándose incluso a no dejar claro a qué estilo se asemeja o qué patrones se siguen. Según Nieves Rosales, "Hoy parece que cualquiera es bailarín de contemporáneo, pero no todo vale".

Técnica y estilo

Técnica

La danza jazz, en su evolución, que no tiene técnicas concretas, se sirve de elementos técnicos de la danza moderna y el ballet, sin dejar por ello de poseer su propio trabajo técnico y, sobre todo, estadístico, principalmente en lo que hace a la movilidad del torso y la disociación de la parte superior con respecto a los trabajos de pies y piernas. Las contracciones abdominales, el trabajo a tierra, y la particular manera de entrar y salir del suelo son características fundamentales de esta disciplina, sobre todo en lo que se conoce como "moderno jazz".

Estilos

Clásico:  Estilo de danza donde se aplica la técnica clásica básica estiliza con movimientos de contracción y enlogación, llenos de fuerza y sensualidad lírica, derivados de las sensaciones corporales provocadas por la música de blues y jazz contemporáneo, puede ser el chase entre otros. 

Moderno: Es aplicada a ritmos de cortes modernos, en la cual se utilizan técnicas del ballet clásico y al igual se complementa con estilos de libre expresión y estética corporal, pero siguiendo la estructura del ballet clásico, e implementada en música comercial. 

Teatral: Este estilo es delineado por técnicas de expresión corporal, jazz y danza contemporánea donde el objetivo es la representación y personificación teatral, utilizando además gestos, ademanes, posturas, entre otras cosas, sobre diversos ritmos musicales utilizados en montajes y espectáculos de los géneros opera rock y comedia musical.

Contemporáneo: Este estilo emplea múltiples técnicas combinando el ballet clásico, la danza contemporánea y la expresión corporal. Se enfoca más que todo en movimientos del torso y la parte superior del cuerpo.

Funk: Este último es uno de los más modernos y urbanos también llamado street jazz o funk jazz derivado de la música que se encuentra fuertemente estilizada con percusiones electrónicas o acústicas, en lo cual esto da al paso de movimientos agresivos y fuertes, con remates muy marcados, movimientos de coordinación rápida y acentuados en contratiempo.

Jazz

 Jazz

La danza jazz es una clasificación integrada por una amplia gama de estilos de baile. Antes de la década de 1950, se refiere a la danza originada a partir de estilos de danza africana vernácula de América. En la década de 1950 surgió un nuevo género de danza jazz, la danza moderna jazz, con raíces en la danza tradicional del Caribe. Todos los estilos personales de danza jazz tienen raíces atribuibles a uno de estos dos orígenes. Los distintos tipos de jazz son: el tradicional, el góspel, el funk y el primitivo afrocaribeño. Un estilo más pulido es el Broadway jazz, que se baila en los musicales de Nueva York y en otras ciudades. Emplea múltiples técnicas como las del ballet clásico, de la danza contemporánea y la expresión corporal.

                                

ORIGEN

Progresivamente fue tomando elementos del ballet, así como de otros bailes más modernos. Pasó por diferentes influencias de bailes como el charlestón, el big apple y el jitterbug. Como danza para el escenario, la danza teatral de la década de 1940 experimentó un desarrollo mayor y en las décadas de 1950 y 1960 surgió un estilo que tomaba los elementos que necesitaba tanto del ballet como de la danza moderna y del claqué. Así desde ese momento generando varias ramificaciones de la danza jazz.

En la actualidad esta danza es más practicada por niños, adolescentes y adultos sin importar género o color de piel. Aplicando una gran variedad de movimientos modernos, que cada coreógrafo implementa desde su creatividad haciéndolo único y diferente.

CARACTERÍSTICAS

• En este estilo la movilidad del torso es muy importante. Es característica la posición de los pies en paralelo, a diferencia de los pies en primera posición (rotados) del ballet.
• En esta danza la mayoría de sus pasos son en el piso, como quien dice es una danza terrenal, en el cual tienes que sentir la música y expresar tus sentimientos.
• La flexibilidad es un elemento muy significativo.
• Los elementos de la música jazz son la síncopa, el estilo individual y la improvisación. La danza jazz original tomó estos mismos elementos.

Técnica y estilo

Lyrical dance practitioners, in addition to interpreting music and expressing emotions, learn a high classical technical base and improve their physical condition and muscle tone. It is an ideal discipline for lovers of jazz and ballet.

It resembles contemporary dance, although it has differentiating elements that make it an independent discipline.

These well-known movements are elongated, pulled from their center, and distorted to create a new aesthetic in the lyrics. Although some studios advertise it as a class, "lyrical technique" technically does not exist. A dancer cannot master dance  without the knowledge and mastery of basic jazz , ballet, and modern technique.

Because of the links between dance styles, teachers originally struggled to teach lyrical dance alongside jazz or ballet or as its own separate style. The main concern with lyrical dance is the distinction between lyrical as a style and/or technique.

In the Lyric, the male and female dancers are inspired by the lyrics of a song or instrumental music to express themselves bodily. Artistic resources such as gestures, facial expressions, complex and technical movements are taken into account when conveying emotions.

The choreography is determined by the attitudes and perceptions of the artist himself or the choreographer.

In a playful way, they develop skills such as the correct positioning of the body, the use of space, coordination and rhythm. All framed with the learning of the basic movements of the Ballet. The main challenge that any dancer has is the use of movement as an instrument of personal interpretation of music. Through his de ella interpretation of her of her, he will show certain emotions such as: joy, love, despair, jealousy... It is possible to translate the entire spectrum of human emotions into movement. For this reason, lyrical dance is ideal for people who are looking for a physical outlet, as well as an emotional one.

Likewise, lyrical dance is a fairly recent dance style, in the same way as the tendency to associate any type of art not only with expression, but also with therapy understood as an alternative way of dealing with certain problems. Lyrical dance, as we mentioned at the beginning of this article, is influenced by ballet and jazz, but in turn, pop, alternative music and folk have influenced this style. Some of the lyrical dance shows have an experimental component: considering that emotion is not always manageable or rational, this fact is not so strange .

Historia

 

Historia de la danza lírica

La historia de la danza lírica no ha sido tan claramente documentada como otros estilos de danza. Hay poca investigación y documentación sobre los orígenes de la danza lírica, probablemente debido al uso limitado de este estilo fuera del mundo de la danza de competición.  Hay tres historias de origen popular para la danza lírica que han sido sugeridas por expertos en danza de competición.

 El primero, especulado por Jimmy Peters, es que la danza lírica evolucionó del «ballet de ensueño» en musicales como Oklahoma y West Side Story. El segundo de Chelya Clawson, afirma que este término se remonta a la danza india tradicional del siglo XVI. La última, y ​​la más plausible, creada por Phyllis Balanga, es que comenzó hace unos 25 años como resultado de la incapacidad del ballet para llegar a la etapa de competencia. 

Influencias de la danza lírica

George Balanchine sigue siendo el coreógrafo de ballet más influyente y ampliamente observado de todos. Cuando un entrevistador le preguntó qué expresaban sus movimientos de baile, respondió «nada en particular». Esta declaración, probablemente impactante para muchos, no implicaba que el baile careciera de emoción; sugirió que su visión de la danza era que se definía por «la lógica del movimiento», en lugar de engendrarse por la emoción o expresarla.

Curiosamente, uno de los compositores dominantes del siglo XX, Igor Stravinsky, hizo una declaración similar, que «la música no expresa nada». Como era de esperar, algunos de los ballets más memorables de Balanchine están al ritmo de la música de Stravinsky.

Música y letra

Los bailarines líricos a menudo tocan música con letras. La letra de la canción elegida sirve de inspiración para los movimientos y expresiones de los bailarines. La música utilizada para la danza lírica es típicamente cargada de emociones y expresiva. Los géneros musicales utilizados incluyen pop, rock, blues, hip-hop, música étnica y mundial y diferentes formas de música contemporánea «céntrica», como el minimalismo.

Las canciones poderosas y expresivas a menudo se usan en el baile lírico para dar a los bailarines la oportunidad de expresar una variedad de emociones fuertes a través de su baile.

 Danza Lírica

El baile lírico o danza lírica es un estilo de baile que podemos situar a medio camino entre la danza clásica o ballet y el jazz. Los movimientos son más rápidos y fluidos que en el ballet, sin alcanzar la rapidez del jazz. Por otra parte, incorpora coreografía, pero más como directriz estructural que como norma inquebrantable. En la danza lírica la expresión del artista es clave, por eso se relaciona con una mayor libertad.

La danza lírica desafía a los coreógrafos y bailarines a usar el movimiento para interpretar música y expresar emociones. Representa ciertas emociones, como el amor, y cuenta una historia a través de cada movimiento realizado. Tiene una historia relativamente reciente y una génesis basada en la unión del ballet con el rock, folk, pop, música alternativa y una variedad de estilos de baile jazz y danza moderna.

La función de la coreografía en la danza lírica

Uno de los primeros prejuicios de los que debemos deshacernos cuando hablamos de baile lírico es que solo usa música lenta o muy melódica. Igual que hay emociones que requieren ese tipo de música, hay otras que se trabajan mejor con otro tipo de ritmos. Cualquier género musical es bueno para practicar baile lírico. La coreografía en este estilo de baile existe, pero no como una serie de figuras fijas que los bailarines deban realizar. La labor del coreógrafo tiene más que ver con orientar que con imponer en este caso.

En cuanto al estilo y a la técnica, los movimientos del baile lírico tienden a ser alargados. El centro del cuerpo es solo el punto de partida desde el que el movimiento se extiende y crea así un nuevo modelo estético. Si bien esta es la tendencia, se suele entender que la técnica propiamente dicha no existe en danza lírica. Sin embargo, hay algo que debes tener en cuenta: dominar el baile lírico requiere conocer y dominar lo más básico del jazz, del ballet y de la danza moderna.

Danza Lírica y sentimiento

La danza  está orientada de manera similar hacia las respuestas emocionales del bailarín más que hacia una estructura coreográfica formal subyacente. Si bien a menudo existe una estructura coreográfica, sirve más como una guía general que como una receta para movimientos de baile específicos que, una ves dominados, será muy similares de una actuación a la siguiente.